Ted Ty de DNEG Animation remporte le prix Nemoland Legend !
À la suite de cette distinction, notre chef mondial de l’animation de personnages revient sur son parcours professionnel et bien plus encore.
Félicitations, Ted !
Ted Ty, de DNEG Animation (Chef mondial de l’animation de personnages), a remporté le prix Nemoland Legend de cette année !
Remis chaque année lors du festival Nemoland à Florence, le Legend Award récompense des artistes qui ont marqué l’histoire du divertissement. Nous ne pourrions être plus fiers de Ted pour cette distinction !
À la suite de la cérémonie, nous avons échangé avec Ted sur son parcours professionnel, son approche du leadership, ses conseils aux nouveaux animateurs, et bien plus encore. Découvrez ses réponses ci-dessous !
Que signifie pour vous la réception du Nemoland Legends Award, et en quoi cela reflète-t-il votre parcours en animation ?
Cette distinction, le Nemoland Legends Award, est un immense honneur, et cela a été, honnêtement, une véritable surprise. Mon intention initiale en me rendant à Nemo était simplement de partager des connaissances et de passer du temps avec les étudiants, car la transmission a toujours occupé une place importante dans ma carrière.
En voyant la liste des anciens lauréats, c’est très impressionnant ; il y a des personnes que j’ai toujours admirées, donc être mentionné à leurs côtés est déjà, en soi, une grande reconnaissance.
Cette distinction offre également un temps de réflexion. Je ne suis pas parti avec une vision claire de la trajectoire ou de la durée de ma carrière ; je cherchais avant tout à atteindre les standards de ceux qui m’ont inspiré. Avec le recul, je mesure le chemin parcouru, soutenu par de nombreuses personnes, tout en gardant le sentiment de poursuivre quelque chose. Cela me rappelle que, malgré le travail accompli, il reste encore beaucoup à accomplir.
Comment trouvez-vous l’équilibre entre direction créative et pilotage d’équipes réparties sur plusieurs projets et zones géographiques ?
Je me sens très chanceux d’occuper ce rôle et d’en assumer les responsabilités. Cela fonctionne avant tout grâce à la qualité des équipes - elles sont particulièrement solides, notamment en animation, et nous leur accordons une confiance totale.
Grâce à cette confiance, j’essaie de ne pas sur-diriger sur le plan créatif. Mon rôle consiste davantage à comprendre la vision de nos partenaires et à contribuer à la définir dès le départ. Je travaille avec nos réalisateurs d’animation pour nous assurer de trouver la bonne adéquation pour chaque projet et de bien lancer les choses. Ensuite, je prends du recul et laisse le réalisateur et le chef de l’animation développer ensemble l’identité du projet. À l’échelle globale, il s’agit de maintenir un alignement : avec la vision artistique du partenaire, nos standards internes et un environnement de travail sain. J’aime comparer cela à l’organisation d’une fête : on veut que chacun se sente bien accueilli, passe un bon moment et reparte enrichi de l’expérience. Au studio, on veut que chacun se sente soutenu, prenne plaisir à travailler et donne le meilleur de lui-même, tout en respectant des standards de qualité élevés.
À travers les régions, l’essentiel est de réunir des équipes passionnées. Si certains maîtrisent déjà les standards des grands studios, l’enjeu est aussi d’accompagner les artistes plus juniors ou aux parcours régionaux vers ce niveau d’exigence. C’est un effort collectif, appuyée par un leadership solide et une communication transparente, garantissant à chacun un environnement propice à l’écoute, au soutien et au développement.
Quels ont été les moments décisifs ou les expériences marquantes dans votre parcours ?
Avec le recul, je peux identifier quatre tournants majeurs qui ont façonné mon parcours. Le premier a été de choisir une école d’art plutôt qu’une faculté de droit, encouragé par mes parents. Cette décision a tout déclenché et m’a donné l’opportunité de poursuivre une voie créative, même si je ne savais pas encore précisément où elle me mènerait.
Le deuxième a été d’être accepté chez Walt Disney Feature Animation, d’abord comme stagiaire, puis comme employé à temps plein. Cette expérience a constitué la base de ma compréhension de l’animation. Elle a façonné mes objectifs artistiques, notamment autour du jeu d’acteur - donner vie aux personnages d’une manière qui crée un lien avec le public, tout en nourrissant quelque chose de profondément personnel dans la pratique du métier.
Le troisième tournant a été le passage de l’animation traditionnelle dessinée à la main à la 3D chez DreamWorks. Cette transition a été difficile et, honnêtement, assez intimidante. Elle impliquait de repartir presque de zéro, d’apprendre un médium complètement différent et de compter sur la patience et le soutien des autres pour m’adapter. Le quatrième a été mon retour à Montréal pour des raisons personnelles, ce qui m’a finalement ouvert à de nouvelles opportunités, notamment en travaillant dans des studios plus modestes avant de rejoindre DNEG Animation. Ces expériences m’ont préparé au leadership, d’une manière dont je n’avais pas pleinement conscience à l’époque.
Avec le temps, mon approche a évolué. Au début, elle était très centrée sur mon propre développement - apprendre, progresser, atteindre un certain niveau. Mais progressivement, cela s’est élargi vers l’envie d’aider les autres à évoluer, de leur offrir des opportunités de se développer et de trouver leur propre voix.
Avec le recul, chacun de ces moments s’est déroulé dans des circonstances très différentes - parfois enthousiasmantes, parfois incertaines, souvent très humaines. On ne réalise pas toujours leur importance sur le moment. Ce n’est qu’avec le temps que l’on comprend comment notre parcours s’est construit.
Comment abordez-vous la création de performances de personnages à la fois crédibles et profondément émouvantes ?
L’animation de personnages s’exprime à différentes échelles, du détail le plus subtil, comme un regard ou un mouvement de tête, jusqu’à la portée globale d’un plan, d’une séquence et d’un film dans son ensemble.
À mon avis, l’authenticité vient d’une compréhension profonde du personnage. Chaque action doit découler de son processus de pensée interne, plutôt que de techniques ou de performances déjà éprouvées. Même une émotion simple comme la déception peut s’exprimer de manière très différente selon l’expérience du personnage. Si c’est la première fois qu’il la ressent, la réaction peut être brute et intense. Si c’est quelque chose qu’il a vécu à de nombreuses reprises, elle sera sans doute plus contenue - plus proche de la résignation que du choc. L’histoire du personnage façonne ainsi la performance.
Tout dépend également du ton et de la vision du réalisateur. Le récit est-il satirique, ancré dans le réel ou stylisé ? L’animation doit s’y conformer. À mesure que les formes narratives évoluent, l’animation doit évoluer à leur rythme, sous peine de devenir trop familière et de créer une distance avec le public.
Au fond, l’émotion vient du détail. Une compréhension claire du personnage, de son identité, de son parcours et de ses émotions, permet d’ancrer la performance dans une vérité authentique, à laquelle le public peut s’identifier.
En quoi le passage de la pratique artistique au leadership a-t-il fait évoluer votre perception de l’animation comme en tant que métier ?
Je pense que cela ressemble beaucoup à un entraînement en arts martiaux. C’est l’histoire d’une personne qui essaie d’accomplir quelque chose alors que tout le monde se trouve dans la même pièce, tout en apprenant à surmonter ses propres limites et à affiner ses talents individuels au sein de ce cadre collectif.
Au début, tout est interne. On se concentre sur sa propre technique, ses propres mouvements, en essayant de maîtriser chaque détail. C’est très introspectif. À mesure qu’on évolue vers un rôle de leadership, la perspective s’élargit. On commence à travailler avec de nombreuses personnes, chacune ayant ses propres forces, défis et styles d’apprentissage. On réalise alors que les difficultés auxquelles elles font face sont souvent les mêmes que celles que l’on a soi-même rencontrées.
Votre rôle devient alors de les aider à traverser ces défis, en leur apportant des perspectives, des outils ou de petits ajustements qui peuvent débloquer quelque chose pour eux. Il s’agit moins de votre propre exécution que du soutien que vous apportez à celle des autres. Cela transforme aussi votre manière de percevoir la difficulté. Au début, on peut avoir l’impression d’être le seul à trouver certaines choses difficiles. Mais lorsqu’on dirige une équipe, on réalise que tout le monde traverse ce processus. Cette expérience partagée apporte une autre forme de compréhension et de patience.
Il y a aussi beaucoup de satisfaction à voir les autres réussir, à observer quelqu’un surmonter un défi, ou à voir une équipe se rassembler pour créer quelque chose dont elle est fière. C’est comparable à la finalisation d’un film : chacun a lutté individuellement, mais ensemble, ils ont créé quelque chose de significatif.
Comment encadrez-vous l’évolution technologique des équipes tout en préservant l’essence de la narration ?
La technologie est en constante évolution, en particulier dans l’animation en images de synthèse, et elle y joue un rôle important. Mais au fond, elle reste un outil. Mon approche consiste à m’assurer que les artistes disposent des outils dont ils ont besoin pour s’exprimer. Je ne cherche pas à dicter leur manière de travailler - chaque artiste a son propre processus, et c’est justement cette diversité qui fait la force d’une équipe.
Il existe des avancées qui peuvent réellement faire la différence. Par exemple, les outils entraînés par apprentissage automatique peuvent améliorer la cohérence et l’efficacité, notamment lorsqu’il s’agit de personnages complexes. Ils permettent aux artistes - en particulier les moins expérimentés - d’atteindre plus rapidement et de manière plus fiable un niveau de qualité élevé. Mais rien de tout cela ne remplace les fondamentaux. La narration, l’interprétation et la compréhension du personnage restent au cœur du processus. La technologie doit venir soutenir ces éléments, et non les définir.
Personnellement, j’ai toujours été davantage axé sur l’aspect technique, au service de l’artistique. Je vois donc la technologie comme un moyen au service du métier, plutôt que comme un moteur qui le dirige.
Qu’est-ce qui distingue une animation de personnage remarquable aujourd’hui, et cette perception a-t-elle changé au fil des années ?
Je ne pense pas que cela ait changé. Si l’on regarde des films classiques et qu’on les compare à des films plus récents, la raison pour laquelle ils résonnent encore aujourd’hui, c’est que la vérité émotionnelle est toujours présente. Le public continue de s’attacher aux personnages, et c’est cela qui compte.
Une animation de personnage réussie repose sur notre capacité à nous reconnaître dans ce que nous voyons, à comprendre le personnage, son parcours et ce qu’il traverse.
Ce n’est pas uniquement une question de technique parfaite non plus. Une animation peut être très simple, mais si le public croit au personnage et ressent quelque chose, alors elle fonctionne. Selon moi, le véritable défi a toujours été de trouver la justesse dans une performance, de m’assurer qu’elle est exactement ce qu’elle doit être - ni plus, ni moins. Cette quête de vérité est constante et ne se résout jamais complètement, et je pense que c’est aussi ce qui rend ce métier si captivant.
Comment définiriez-vous votre empreinte, à la fois sur l’industrie et sur les talents que vous avez accompagnés au fil de votre parcours ?
Je ne suis pas sûr de pouvoir y répondre. Je pense que c’est plutôt quelque chose que les autres devraient évaluer.
Selon moi, il s’agit avant tout de continuer à faire évoluer mon propre travail, tout en offrant du soutien lorsque je le peux. Les personnes qui m’ont aidé ont eu un impact important sur moi, même si elles n’étaient pas nombreuses, et cela m’est resté. J’essaie d’être disponible pour les gens à différentes étapes de leur parcours, qu’ils débutent, qu’ils se préparent à entrer dans l’industrie, ou qu’ils soient déjà établis et cherchent à progresser davantage. Il s’agit de comprendre où ils en sont et de les aider à avancer.
Une chose qui est importante pour moi, c’est d’être préparé et respectueux du temps des autres. Si quelqu’un est à l’écoute ou prêt à apprendre, je veux m’assurer qu’il puisse en retirer quelque chose de concret et de pertinent. S’il y a un impact, j’espère qu’il découle de ces échanges et de la création d’un environnement où les gens se sentent soutenus.
Quelles sont les qualités déterminantes pour un animateur qui souhaite évoluer vers un rôle de leadership ?
L’une des choses les plus importantes est de ne pas oublier d’où l’on vient. Il est facile, en accédant à un rôle de leadership, de se concentrer excessivement sur les responsabilités et la structure, et de perdre de vue ce que cela signifie d’être à la place de quelqu’un d’autre. Pourtant, comprendre cette perspective est essentiel.
Le leadership, c’est savoir écouter - vraiment écouter - et communiquer d’une manière que les autres peuvent comprendre et à laquelle ils peuvent réagir. Il ne s’agit pas d’imposer sa façon de faire. Cela demande aussi de la patience et de la conscience de soi. Chacun a des forces différentes : certains sont très organisés, d’autres sont d’excellents communicateurs, et d’autres encore sont plus intuitifs. Il y a toujours une marge de progression.
Au fond, le leadership repose sur les relations humaines. Il s’agit d’aider les autres à donner le meilleur d’eux-mêmes, de les guider à travers les défis, et de mettre son expérience au service d’un parcours plus clair et plus accessible pour eux.
Quels conseils aimeriez-vous transmettre à la prochaine génération d’animateurs ?
Aussi passionnante que soit l’animation, comme toute discipline, elle n’est pas agréable chaque jour - mais elle est le plus souvent gratifiante. Il est important d’avoir des objectifs, mais il est encore plus important de se concentrer sur le travail que l’on accomplit aujourd’hui. Une carrière épanouissante se construit dans l’effort quotidien, à travers le processus, et dans ces petits moments de progression.
Il faut avant tout aimer le métier - donner vie aux personnages, servir les histoires et créer une connexion avec le public. C’est ce qui s’inscrit dans la durée. Il y aura des défis, et le parcours n’est pas toujours linéaire. Mais si vous restez engagé dans votre travail, ces moments de progression et de déclic finissent par s’accumuler.
Il est également important de définir ce que « significatif » signifie pour vous, et d’accepter que cette définition évolue au fil de votre parcours. Vos attentes changeront, et cela fait partie intégrante du processus. Enfin, ce n’est pas une démarche individuelle. Soutenir les autres, apprendre d’eux et faire partie d’une communauté est essentiel. Si vous vous concentrez uniquement sur vous-même, vous passez à côté d’une grande partie de ce qui rend ce travail véritablement significatif.
Découvrez les témoignages de notre équipe d’animation à propos de Ted :
Crosby Clyse, Directeur général:
"La plus grande force de Ted en tant que dirigeant est sa capacité à véritablement voir les gens : reconnaître leur potentiel, le cultiver avec une bienveillance sincère et créer des équipes ancrées dans la confiance et un véritable esprit de communauté. J’ai vu Ted encourager les artistes à dépasser leurs propres attentes, en les incitant à insuffler leurs propres histoires aux personnages qu’ils animent. Ted crée un environnement où chacun se sent soutenu et capable de donner le meilleur de lui-même. Le mentorat est au cœur de sa façon de diriger, il fait évoluer notre équipe mondiale d’animateurs et inspire leurs parcours. Le prix « Nemoland Legend » rend un hommage pleinement mérité à Ted, tant pour son travail d’artiste que pour son rôle de dirigeant au sein de l’industrie de l’animation."
Toby Seale, Animateur principal :
« Je me souviendrai toujours très bien de mon entrevue avec Ted, car pour moi, il a marqué le début d’un tournant dans ma carrière. Jusqu’à ce moment-là, je me sentais assez découragé et désabusé quant à ma place dans l’industrie - ma confiance était fragile, et je n’étais pas sûr d’être à la hauteur de l’animation de long métrage. Je ne sais pas vraiment ce qui s’est passé sur Nimona, mais Ted m’a soutenu sans réserve et a su voir en moi quelque chose que je ne voyais pas moi-même. Sa confiance, son soutien et son mentorat sont des raisons majeures pour lesquelles je n’ai pas abandonné l’animation. Je n’ai jamais rencontré quelqu’un capable de lire les gens aussi bien que Ted ; c’est une qualité qui lui permet de comprendre exactement ce dont une personne a besoin, au moment précis où elle en a besoin. Chaque fois que je me sens bloqué ou incertain quant à la suite, je sais que je peux me tourner vers lui, et il m’aidera à voir les prochaines étapes clairement. Mais je pense que la plus grande qualité de Ted, c’est son humanité : il dirige avec cœur et humour, considère chaque animateur comme un élément unique et essentiel de l’équipe, et offre à chacun un soutien et des conseils parfaitement adaptés. J’ai hâte de partager encore de nombreuses balades en bateau à Annecy avec toi, Ted, et toutes mes félicitations pour cette incroyable réussite ! Personne ne la mérite plus que toi. »
Immy Goodman, Animatrice :
« Ted fait véritablement vivre l’esprit du mentorat au sein de l’animation - le statut de légende lui va parfaitement. Il est incroyablement généreux de son temps et de ses conseils, et a ainsi façonné de nombreux parcours. Je suis très reconnaissant de pouvoir apprendre auprès de lui ; il apporte une compréhension précieuse de l’animation, à la fois comme métier et comme industrie. Ses analyses en cours ouvrent à chaque fois une toute nouvelle manière de voir les choses. J’ai hâte de parcourir l’ensemble de son catalogue ! »
Martin Scalzotto, Animateur principal :
« Depuis le jour où j’ai rencontré Ted, j’ai toujours ressenti une véritable connexion avec lui. C’est quelqu’un de profondément passionné par le métier et qui prend grand soin de son équipe, en faisant toujours l’effort de créer un lien avec chacun d’entre nous et de nous comprendre. Sa chaleur humaine et son empathie contribuent à instaurer un environnement solide, où chacun vise l’excellence tout en se soutenant mutuellement. J’ai appris auprès de lui à être plus équilibré et compréhensif, et je lui suis très reconnaissant pour ses efforts constants afin de faire de DNEG Animation un environnement encore meilleur. »
Chris Kirshbaum, Chef Animateur :
« Ted a eu un impact profond sur mon parcours en animation.
Il a été le premier chef de département à me dire qu’il avait véritablement confiance en ma capacité à assumer un rôle de leadership important. Au-delà de ce que cela a représenté pour moi personnellement, cela m’a rendu profondément loyal envers le département et envers lui, bien au-delà du cadre d’un simple emploi et d’un salaire. C’est sans doute la leçon la plus marquante que j’ai apprise de Ted : choisir des personnes en lesquelles on croit, puis le leur dire.
Ma deuxième leçon tirée de Ted, observée au fil de l’évolution du département d’animation au rythme des changements de l’industrie, est que l’importance de la culture ne saurait être surestimée : la culture est tout aussi essentielle que le talent. Les équipes évoluent, les gens arrivent et repartent, il y a des périodes florissantes et d’autres plus difficiles, mais ce qui perdure, c’est la culture. Bien sûr, nous recherchons les meilleurs talents possibles, mais chaque animateur qui a franchi cette porte a aussi été choisi parce que l’on croyait qu’il s’intégrerait à la culture que Ted a instaurée : une culture de positivité, de respect, d’entraide et de refus absolu de toute toxicité. Je suis convaincu que cette vision du type de personnes que nous souhaitons au sein du département a été un facteur clé dans la fidélisation des talents et a permis au département de maintenir sa cohérence dans un environnement industriel en constante évolution.
Ma troisième leçon concerne l’autre facteur clé d’un succès durable : le niveau de compétence de l’équipe. Il faut toujours cultiver les talents. Les gens viennent chez DNEG pour faire partie de quelque chose de spécial, travailler sur de grands projets et élever leur niveau. Si le processus hebdomadaire de fabrication d’un film constitue la base de notre progression en tant qu’artistes, les programmes de formation et les chalk talks de Ted y ont apporté un complément précieux. Il m’a inspiré à toujours réfléchir à de nouvelles façons d’aider l’équipe à progresser, à la fois en tant qu’artistes individuels et en tant que membres d’un collectif.
C’est cet équilibre entre confiance, encouragement, positivité et accompagnement artistique qui a façonné DNEG en l’un des meilleurs studios d’animation de Montréal.
Merci pour tout, Ted. Tu l’as bien mérité ! »
Ken Fountain, Superviseur de l'Animation :
« Ted est non seulement très attentif aux détails et aux subtilités des performances, mais il applique aussi ce regard précis dans ses échanges au quotidien. C’est une qualité profondément ancrée chez lui. Ce qui le distingue vraiment, c’est sa capacité à exprimer avec précision ce qu’il perçoit, parfois à travers des imitations étonnamment fidèles. Partagé dans ses cours comme dans ses échanges individuels, ce talent rend le travail avec lui aussi enrichissant qu’agréable !
En tant que membre de la direction de l’animation, je me suis appuyé sur Ted comme un véritable point d’ancrage. C’est quelqu’un en qui je peux toujours avoir confiance pour trouver le juste équilibre entre les besoins de l’individu et ceux du projet (ou de l’entreprise). C’est un leader précieux à avoir à ses côtés dans les moments difficiles, et une source d’encouragement encore plus forte lorsque tout va bien. »
Félicitations, Ted !